BEA CARMINA: UNA DRAMATURGA PROPOSITIVA

La libertad y la búsqueda creativa son parte del motor que mueve la pluma de Bea Carmina (también conocida como Carmina Martínez), ella no se detiene ni se conforma, siempre aspira a más, al menos así queda constancia en su compleja obra "El ejecutor", publicada en la Colección "El espejo de Amarilis" de la Biblioteca Mexiquense del BIcentenario, libro que fue presentado en la pasada Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería.
La muerte es el eje conductor de un texto, que viaja por diferentes épocas y espacios- no tan sólo territoriales-, sino de una imaginación exuberante e incontenible. Obra que transcurre en un solo acto, dividido en seis cuadros, donde se da cuenta del paso del tiempo y esa esencia humana que permanece inmutable, a pesar de vestir otros ropajes.
"El ejecutor" de Bea Carmina, egresada de la Escuela de Escritores de SOGEM fue presentado por los críticos teatrales Bruno Bert y Luz Emilia Zínser, así como por Antonio Crestani, director de teatro y del Centro Cultura Helénico.
Bruno Bert destacó:"Dentro de las propuestas contemporáneas en nuestra interesante, contradictoria e irritativa dramaturgia nacional, este material se lanza como un placer para la imaginación del lector y como una provocación para la visión del director que decida asumirlo."
Bea Carmina investigó y leyó mucho para escribir "El ejecutor", un texto que oscila de lo serio a la farsa, como ya lo habíamos notado en otras obras suyas como son "Scrabble" y "El Adriático". La acción dramática parte de la Antigua Catay (hoy China).

Por su parte, Luz Emilia Zínser comentó: "El ejecutor" es una presencia material en la carne y hueso de un personaje que cambia de identidad de uno a otro sistema de relaciones. En todos los casos es quien asume la acción de matar, cumple, la voluntad del poder... "El ejecutor" es en esencia esa herida intemporal."
La obra de Bea Carmina cuenta con varios momentos brillantes como lo sucedido en tiempos de la inquisición y en épocas isabelinas.
Finalmente Antonio Crestani calificó a este poema escénico como poseedor de "una estructura dramática intrépida, llena de arrojo, donde sobresale la voz de los personajes y el manejo del diálogo."

OLEANNA: LA LUCHA POR EL PODER

Una de las obras más paradigmáticas de la segunda mitad del siglo XX, sin lugar a dudas es "Oleanna", escrita por el talentoso dramaturgo norteamericano David Mammet, este texto fue estrenado en 1992, en Cambridge, Massachusetts, dirigida por el propio Mammet, con las actuaciones de William Macy y Rebecca Pidgeon. En nuestro país fue escenificada por primera vez, hace 15 años, con un montaje de Ionna Weissberg y actuada por Mónica Dionne y Enrique Singer.
Ahora es Singer quien nos hace entrega de una nueva propuesta de "Oleanna", con una dirección puntual, donde hay un equilibrio perfecto entre la actuación y el texto inteligente e incisivo.
Juan Manuel Bernal es el profesor universitario, Irene Azuela es la alumna que injustamente lo acusa de un acoso sexual, que solo existe en su mente.
Juego de poderes, donde con toda facilidad se pasan el uno al otro, la estafeta de víctima y victimario de manera indistinnta.
Enfrentamiento entre dos inteligencias, donde se deja entrever la hipocresía y el engaño que existe en muchos aspectos de la educación. Ellos se dicen el uno al otro y en varias ocasiones, pierden el contacto con la realidad y se desatan en un crudo diálogo no del todo coherente.

Mammet en su discurso teatral muestra de un modo contundente como se puede desatar la falta de comunicación, asimismo deja entrever que la libertad de pensamiento, desafortunadamente no siempre llega a un buen puerto. Él es un profesor que se siente afortunado por haber casi ganado una plaza vitalicia, que le permitirá dar un sustento conveniente a su familia, ella una chica un tanto rebelde y caprichosa, que le toma un odio irracional.
Funcionales son la escenografía diseñada por Auda Carraza y Atenea Chávz, así como la iluminación de Víctor Zapatero.
El plus son las interpretaciones convincentes de Azuela y Bernal en un teatro que sabe esencializar una propuesta donde el texto mismo, recobra importancia en el como es expresado.
"Oleanna" fue traducida por Daniel Pastor, también responsable de la producción y se presentará hasta el próximo 23 de mayo en el Teatro El Granero "Xavier Rojas" del Centro Cultural del Bosque, con funciones, los jueves y viernes a las 20 horas, los sábados a las 19 y los domingos a las 18 horas.

TODOS ERAN MIS HIJOS: TAN ACTUAL COMO CUANDO FUE ESCRITA

La guerra hace cometer a los hombres, las peores torpezas. Multitud de errores con carácter irreversible se han dado. Así lo muestra la obra "Todos eran mis hijos" de Arthur Miller, que data de la década de los 40, que sigue tan actual como en el momento en que fue creada.
Texto de la posguerra que se centra en el microcosmos de la familia Keller, un núcleo aún herido por los recientes acontecimientos bélicos. Joe, el patriarca (un sobresaliente Fernando Luján) quiere tener el control y el mando, pero es tan frágil como el árbol erigido a la memoria de su hijo muerto. Él muestra la fragilidad del ser humano.
Kate, la esposa y madre (una siempre efectiva Diana Bracho), vive con la esperanza de que su hijo mayor que estuvo en la guerra, algún día retornará al hogar y que no ha muerto. Mientras el benjamín de la familia (Mario Loría) comienza a pretender a  Ann Deever (Silvia Navarro), quien fuera la prometida de su hermano.
Y además, Miller como espejo paralelo maneja algunos retazos de la vida de los vecinos de los Keller, siendo de estos personajes, el más interesante, el que interpreta Miguel Pizarro (en una buena actuación) como el doctor Jim Bayliss, un hombre con profunda vocación humanista.

Francisco Franco es el encargado de la puesta en escena de "Todos eran mis hijos" con un brillante trazo escénico, donde sabe balancear el abanico de emociones que brindan su elenco.
La obra de Miller sabe equilibrar lo que vive una familia, a quien la guerra le pegó de manera directa, con un buen alegato pacifista, en cuanto que la industria armamentista obre con una mayor ética.
El también autor de "Las brujas de Salem" se mueve a sus anchas en los territorios dramáticos, con diálogos agudos y un adecuado manejo de la compleja estructura psicológica de sus personajes.
Funcional es la escenografía diseñada por Gloria Carrasco, así como la iluminación ideada por Ángel Ancona.
Esta puesta en escena es producida por Jorge Ortiz de Pinedo, en su afán de dar acceso al gran público a destacadas obras de la dramaturgia universal.
La temporada se lleva a cabo en el Teatro Helénico, desde el pasado 11 de noviembre para concluir el próximo mes de marzo.  Las funciones son viernes, sábados y domingos.

NUMEROSOS ARTISTAS MEXICANOS EN EL FMX 2010

El próximo  11 de marzo dará inició la 26a edición del  Festival de México, el FMX (anteriormente llamado Festival de México del Centro Histórico, el cual  contará con 280 actividades, con la participación de  530 artistas- varios de ellos nacionales y con 21 países invitados, entre ellos: Italia, Francia, Estados Unidos, Argentina y Japón.

La inauguración será con la ópera multimedia "Únicamente la verdad: la auténtica historia de Camelia la tejana", en base a partitura de Gabriela Ortiz, y un guión más video, ambos de la autoría de Rubén Ortiz Torres.
La dirección teatral corre a cargo de Mario Espinosa, mientras que la musical es de José Areán.
En esta obra se aborda la impunidad que se vive en nuestro país, y surgió a partir del narcorrido " Contrabando y traición" de la autoría de los Tigres del Norte.
La función se llevará a cabo el 11 de marzo en el Teatro Julio Castillo.
En el FMX habrá otras presentaciones teatrales, entre las que destacan "Hey girl" propuesta de la compañía italiana  Societas Raffaello Sanzio, con la dirección de Romeo Castellucci, la cual tendr´pa funciones, el 12 y 13 de marzo en el teatro de la Ciudad.
Asimismo, la Compañía Nacional de Teatro, presentará "Horas de gracia" de Juan Tovar, texto que desmitifica a Agustín de Iturbide, contando con la dirección del maestro José Caballero. Mientras que el Milagro auspicia el montaje de "Lejos", escrita y dirigida por Mauricio Jiménez, la cual contará con las actuaciones de: Daniel Giménez Cacho y de Laura Almela.
También los melómanos podrán tener con este festival, todo un banquete de lo más variado, con artistas de la talla del tenor alemán Christoph Gertz, la pianista austríaca Cornelia  Hermann, la banda nipona Boredowns o Charles Gayle trío, dentro de una numerosa lista.
  Dentro del amplio abanico de actividades de esta gran fiesta de las manifestaciones artísticas, que tiene un costo de 33 millones,también se entregará el Premio Chilango por trayectoria al compositor argentino Mauricio Kagel. Además que el 27 de marzo se darán a conocer los ganadores del concurso  historia y sabores de México, concurso convocado por FMX y el Claustro de Sor Juana.
El FMX finalizará el 28 de marzo, se sugiere para mayor información consultar el sitio http://www.festival.org.mx/

PRENDIDA DE LAS LAMPARAS: ROSARIO POR SIEMPRE

Un cuadrado de arena, tres lámparas colgantes más tres actrices que se desdoblan en Rosario Castellanos y varios personajes entrañables que la acompañaron en su trayecto existencial, algunos reales y otros ficticios,son los elementos claves del montaje: "Prendida de las lámparas" que tiene una acertada dramaturgia de Elena Guiochins y una sensible dirección de Alberto Lomnitz.

Blanca Guerra, María Inés Pintado y Haydé Boetto son las actrices encargadas de darle vida a una puesta en escena, que se va construyendo y desconstruyendo a modo de un rompecabezas, una puesta donde hay vaivén entre los recuerdos y las vivencias, donde la materia prima son episodios capitales de la vida de Rosario Castellanos, así como fragmentos de algunos de sus poemas, cartas y entrevistas.

El título de la obra "Prendida de las lámparas" viene de una frase que continuamente repetía la escritora, sobre todo en sus momentos de desaliento o angustia, presagio de su muerte acaecida el 7 de agosto de 1974, cuando se electrocutó con una lámpara en su casa de Tel Aviv. Tiempos en que era embajadora de México en Israel.

El paisaje interior de Rosario Castellanos queda expuesto con bellas imágenes plásticas en esta puesta en escena, que apuesta por la sencillez y el talento de las intérpretes, que se aleja de artificios del multimedia, que prefiere la naturalidad.

Elena Guiochins extrapola algunos momentos estelares de una vida un tanto difícil, como la difícil relación amorosa que sostuvo con Ricardo Guerra, que para la poeta fue como estar sentados frente al tablero de ajedrez para ver quien daba el jaque mate final, su infancia en Comitán Chiapas y sus sentimientos de culpa ante la temprana muerte de su hermano Minchito, su vocación literaria y esa su defensa de la condición femenina, entre otros temas.

Se incluyen poemas como: "Autorretrato", "Amanecer", "El rescate del mundo", entre otros y fragmentos reveladores de las cartas que ella le escribía a Guerra.

"Prendida de las lámparas" fusiona buena dramaturgia, con una dirección creativa y con tres actrices que dan lo mejor de sí mismas, en un viaje que no es lineal, sino que es calidóscopico.

Uno de los momentos climáticos, es cuando le preguntan el porque escribe y ella simplemente responde: "Porque una vez, me miré al espejo y no había nada, cuando los demás chorreaban de importancia."

"Prendida de las lámparas" es simplemente un tributo amoroso a Rosario Castellanos, una mujer excepcional, que es evocada en escena.

Esta obra se presenta jueves y viernes a las 20 horas, sábados a las 19 y domingos a las 18 horas en el Teatro El Granero "Xavier Rojas" del Centro Cultural del Bosque. Altamente recomendable.

IV FESTIVAL OTRAS LATITUDES, TEATRO SOBRESALIENTE DEL INTERIOR DEL PAIS

En varios estados de la República Mexicana se desarrolla un teatro sumamente interesante y propositivo, que la mayoría de las ocasiones no se suele ver más que en lugar de origen. Por dicha razón es muy importante el que se esté realizando el IV Festival Otras Latitudes, desde el pasado 28 de septiembre hasta el próximo 18 de octubre en diversos teatros del Centro Cultural del Bosque.

Se contará con la presencia de grupos provenientes de Chihuahua, Baja California, Tamaulipas, Colima, Guanajuato, Sinaloa y Veracruz.

Honduras con el grupo La Fragua es el país invitado. La inauguración corrió a cargo de la Compañía Alborde Teatro de Chihuahua, con la estremecedora obra "Mara o de la noche sin sueño" de Antonio Zuñiga. (vease la imagen de una de las escenas)

Esta obra gira en torno al mundo cotidiano de los Mara Trucha al estar instalados en Estados Unidos. Su manera de sentir y pensar, sus rituales, su salvajismo e idealismo, con una gran dirección de Rodolfo Guerrero.

Tendrá nuevas funciones, el 5, 6,12 y 13 de octubre, a las 20 horas en el Teatro Julio Castillo. Baja California estará presente con "El gran pretender", basada en textos de Luis Humberto Crosthwaite, un espectáculo que dirige Miguel Angel Rivera, con funciones, el 3 de octubre a las 19 y el 4, a las 18 horas.

De Tamaulipas , la compañía A-Tar, escenifica un monólogo en torno a Frida Khalo de la autoría de Fernando Martínez Monroy que se escenificará en el Teatro Orientación,el 3 de octubre a las 13 horas.

Hay más grupos y obras, pero otra de las propuestas novedosas de "Otras latitudes" es "¡Cállate!" con la compañía veracruzana Operación Clown, obra escrita por Cal McCrystal.

En tanto de Honduras, presenta dos obras, "Una noche con Harold Pinter: el arte, la verdad y la política" (misma que se escenificó el pasado 30 de septiembre) y un espectáculo infantil.

El Festival Otras Latitudes va en su cuarta edición. es un escaparate interesante de lo que se está haciendo de teatro, en puestas en escena, la mayoría de ellas que difícilmente se volverán a ver en la capital mexicana.

LA LENGUA DE LOS MUERTOS

Se aproxima el Bicentenario, que será festejado con bombos y platillos el próximo 2010, sin embargo hay empezado a darse las puestas en escenas que abordan temas en torno al mismo, ya sea en torno a personajes y aspectos de la Independencia o de la Revolución Mexicana.
Uno de los primeros es "La lengua de los muertos" con dramaturgiay dirección de David Olguín. Esta puesta en escena gira en torno a Belisario Domínguez Placencia, quien fuera senador de la República y quien fue mandado a ejecutar por Victoriano Huerta, el entonces presidente de México, el 7 de octubre de 1913.
Día nublado, sembrado de malos presagios, día del intersicio entre el otoño y el crudo invierno. Tan solo son 3 actores en escena, teniendo como marco una escenografía hiperrealista diseñada por Gabriel Pascal, quien también se hace cargo de la adecuada iluminación.
Bastan tan solo una camilla, las lámparas metálicas de un hospital y un biombo para que se desarrolle una obra que es teatro dentro del teatro,. El doctor Aurealiano Urrutia, ex Ministro de Gobernación (con una interpretación un tanto plana de Rodolfo Guerrero, quien tiene a su favor, una buena presencia escénica), él dialogará con el idealista Belisario Domínguez (que cuenta con una gran caracterización de Humberto Solórzano, una voz matizada y un excelente lenguaje corporal), y como contrapunto de la interacción de ambos personajes, el "Matarratas", una gente del pueblo (con una actuación fársica de Gerardo Taracena, haciendo despliegue de sus dotes interpretativas).
"La lengua de los muertos" maneja un inteligente duelo de palabras y reflexiones que intercambian Urrutia y Domínguez, donde dejan entrever la situación política del México de aquel entonces, misma que a la actualidad no ha tenido mayores variantes, pareciera que los años no han transcurrido y que el tiempo se hubiese detenido.
El doctor Urrutia llama al senador "Patriarca de jilgueros", y el político se cuestiona de que si puede existir la ética en el manejo del poder, frases que son petardos, muchos de ellos cargados de gran ironía.
David Olguín construye muy bien a sus personajes, realidad y mito se fusionan en una época histórica donde los crímenes eran impunes. "La lengua de los muertos" es una puesta en escena inteligente, con tintes políticos que cuestiona a un México dominado por ángeles y demonios, un México que a pesar de todo no ha bajado la guardia.
Esta obra se presenta jueves y viernes a las 21 horas, sábados a las 19 y domingos a las 18 horas en el Teatro El Milagro.

CUENTAME A DONDE VAS CAPERUCITA

El juego de víctima y victimario vuelve a ser tratado en la tercer obra que cierra el ciclo de Opéra Prima, organizado por el Centro Cultural Helénico, y corresponde a "Cuéntame a dónde vas Caperucita", dramaturgia y dirección de Juan Carlos Cuéllar. Cabe destacar que este texto ganó el Premio a la mejor Dramaturgia en el XVI Festival Nacional de Teatro Universitario.
Este montaje se presenta todos los miercoles a las ocho treinta, hasta fines de octubre en el Foro de la Gruta.
La puesta en escena es sencilla, pero convincente. Un escenario vacio tan solo decorado por una serie de hojas que bordean el piso y simulan un bosque, en este se encontraran dos personajes emblematicos de los cuentos de hadas: Caperucita Roja y el Lobo Feroz. Estamos ante una parafrasis de un cuento clasico. La ingenua Caperucita enfrentada al fiero lobo, el encuentro de ambos, en el momento erroneo que puede acarrear dramaticas consecuencias. La fusion de Eros y Tanatos como fuerzas motoras del mundo.
Dos buenas actuaciones, tanto de Alicia Lara =captada en la imagen por Arturo Lopez de CONACULTA= asi como de Ammel Rodrigo, ambos egresados del CUT. Ambos imprimen credibilidad a sus personajes. La inocente niña, cuando llegue a casa de su abuela quien ha sido suplantada, sera devorada por ese cruel lobo.
En escena, una sabana es utilizada para crear diversos juegos muy afortunados, a veces bastan pocos elementos, en la medida de que se emplee la creatividad y el buen gusto.
Cuentame a donde vas Caperucita nos muestra al torturador y a su victima, el juego de las falacias, los peligros que se anteponen en la vida cotidiana en el momento mas inesperado. Es el registro del azar y sus contornos.
Cuellar se manifiesta como un dramaturgo talentoso, quien sabe penetrar en los profundos recovecos del alma humana. Es una puesta en escena digna de verse.

JUNTOS Y FELICES: DE SECRETOS EN FAMILIA

La urna que contiene las cenizas de la madre recién fallecida, los rezos y el velorio, donde flota una fuerte tensión en el medio ambiente son el marco para el reencuentro de tres hermanos, que si bien comparten lazos de sangre, tienen 3 visiones opuestas del mundo, ellos se atreverán a decirse todo aquello, que largo tiempo han callado, los secretos en familia, quedarán develados. Tal es el planteamiento de la farsa "Juntos y felices", que marca el debut de la actriz Leticia Huijara, como dramaturga.
Los parlamentos son dardos hirientes, palabras acres, las cuales duelen en lo profundo, al tiempo que son posesoras de una ironía corrosiva, tres personajes enojados con ellos mismos, y con la vida.
La hermana solterona (alternando el papel Carmen Delgado y Rosario Zuñiga) quien fue despojada de su gran amor por su hermana menor (Leticia Huijara), quien despliega una gran actuación presidida por un rictus burlón, una coraza de ironía cubre su fragilidad emocional.
Y el tercero en pugna es el hermano (Juan Carlos Barreto), un ser egoísta e impositivo, que es una especie de capataz con su desválida mujer (una estupenda Bárbara Eibenschutz), ésta última es una mujer que ha optado por esconderse en una depresión, para de ese modo ser una autista al medio ambiente que la rodea.
Cuarteto de actores, dirigidos con mano sensible por Claudia Ríos, en un espacio que es una cocina de un departamento clasemediero, que cuenta con un adecuado diseño escenográfico de Víctor Padilla.
Las sillas al moverse dan diversos tiempos de la acción, como esas escenas de consulta a una psicóloga un tanto dura y narcisista. Bien apunta el desaparecido Víctor Hugo Rascón Banda en el programa de mano: "Es el encuentro y desencuentro de hermanos en un teatro de cámara en estilo realista que vuelve otra vez a ocuparse de lo individual y lo familiar, con su carga de obsesiones y fantasmas interiores, seres de carne y hueso, gente común para recuperar las emociones en el teatro."
En efecto esta puesta en escena es un buen montaje, que a pesar de ser fársico duele, por su fuerte carga emocional, en la que es fácil vernos reflejados.
"Juntos y felices" de Leticia Huijara, se presenta los sábados, a las 19 horas en el Teatro La Capilla, la localidad tiene un costo de $100-

SE PRESENTO EL LIBRO TEATRO DE LA GRUTA VIII

Desde hace 9 años se viene llevando a cabo el concurso para obtener el Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo, mismo que es copatrocinado por el Centro Cultural Helénico y la Dirección de Publicaciones del CONACULTA.

En la bellísima capilla medieval del Centro Cultural Helénico en días pasados fue presentado el libro Teatro de la Gruta VIII, conformado por 4 obras, "Alaska" de Gibrán Portela, la ganadora, más las tres finalistas: "Hitler en el corazón" de Noé Morales Muñoz, "Basta morir" de Iris García Cuevas y "Hamnet· de Francisco Javier Nuño.

El libro fue presentado por Mónica Neponte coordinadora del Programa Cultural Tierra Adentro de CONACULTA quien comentó que el plus de este concurso: "Es que en forma paralela se da un taller a los dramaturgos finalistas, y todos ellos son menores de 35 años".

Por su parte, Antonio Crestani, director del Centro Cultural Helénico destacó que: "el ganador tiene la oportunidad de que su obra sea montada en uno de los teatros del Helénico, y de ese modo, su obra ya no se queda en los estantes, sino que se prueba en el escenario."

El actor Juan Carlos Vives, a su vez ganador de la segunda convocatoria de este concurso, fue el conductor de este acto, poniéndole sal y pimienta con un grato sentido del humor.

Mientras que la dramturga Bárbara Colio habló de Teatro de la Gruta VIII, diciendo que es de vital importancia, el promover la dramaturgia mexicana emergente, puesto que es una motivación para que los jóvenes continúen escribiendo y puntualizó: "Aunque las cuatro obras que conforman el volumen son diferentes entre sí, tienen en común la búsqueda de nuevas formas de expresión en el lenguaje teatral."

El volumen prologado por Edgar Chías apunta entre otros conceptos: "las miradas subjetivas sobre un mundo devastador e inconsecuente, las revisiones biográficas que sirven para inventar una ficción, las incursiones en el género negro y la puesta al día- sin pudores. de la diversidad en el amor, son algunos de los intereses plasmados con elegancia, contundencia, pero sobre todo con gran poderío imaginativo en las obras que nos ocupan."

Asimismo se premió al ganador del 2009 del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo, siendo Alfredo Hinojosa por "Calipso".

En esta emisión el jurado estuvo conformado por: Esther Seligson, Carmina Narro y Claudia Ríos, quienes se dieron a la tarea de leer los 117 manuscritos recibidos.

PRIMERA MUESTRA DE LA COMPAÑIA NACIONAL DE TEATRO

La Compañía Nacional de Teatro que dirige el maestro Luis de Tavira cumple un año de haberse consolidado. Para celebrarlo presentarán cuatro obras de su repertorio en cuatro teatros diferentes de la Ciudad de México.Se trata a decir del maestro Tavira de "un proyecto sólido, retador que ha buscado crear una compañía digna de este país, donde prevalezca la excelencia teatral, siendo una de sus prioridades la formación del espectador nacional."

A un año de su formación, la Compañía Nacional de Teatro ha logrado la conformación de un primer repertorio diverso y plural, dejándose guíar por cuatro rubros: Patrimonio del teatro universal, Nuevas teatralidades, el Mejor teatro mexicano y el resultado de talleres de integración actoral, en los cuales participa todo el elenco estable conformado por 43 actores.

Es así como la primer puesta en escena fue "Pascua" de Augusto Strindberg, dirigida por el maestro Héctor Mendoza, la cual tendrá una nueva temporada del 16 de julio al 9 de agosto , de jueves a domingos en el Teatro Casa de la Paz.

Es la primera vez que esta obra se estrenó en nuestro país y sus personajes reflejan la cotidianeidad de un pueblo de Estocolmo a principios de siglo XX en una semana de Pascua.

También será repuesta "Ni el sol ni la muerte pueden mirarse de frente" del dramaturgo libanés canadiense Wadji Mouawad, dirigida por Rolf y Heidi Abderhalden, siendo Hugo Arrevillaga, el director residente, su segunda temporada será del 11 al 26 de julio, de jueves a domingo en el Teatro de las Artes del CENART. Se trata de una obra que maneja y explora nuevos lenguajes de la teatralidad, donde las imágenes y los simbolismos son parte de su esencia.

Asimismo en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque habrá la oportunidad de volver a ver "Edip en Colofón" de Flavio González Mello, bajo la dirección de Mario Espinosa, una tragedia de enredos que muestra a un Edipo desmemoriado en un hospital psiquiátrico. La temporada está programada del 30 de julio al 16 de agosto, con funciones de jueves a domingos.

Y finalmente se estrenará "Ser es ser visto", una paráfrasis escénica dirigida por Luis de Tavira, inspirado en los textos de Botho Strauss, Goethe, Muller y Friederich Ruckert donde participarán los 43 actores que integran la Compañía Nacional de Teatro, a diferencia de las otras 3 puestas, ésta será con carácter gratuito y será del 7 de julio al 11 de agosto en la sede de la Compañía ubicada en Coyoacán, con funciones de sábados a martes.

Se trata de un espectáculo que recorre los oscuros pasillos de un lugar que se va desvaneciendo. Se entrecruzan varios tiempos, donde hay mínimos momentos de calma puesto que se impone el infierno.

Esta celebración promete ser todo un banquete teatral en una compañía encabezada por los actores de número o eméritos que son: Ana Ofelia Murguía, Adriana Roel, Angelina Peláez, Ricardo Blume y Claudio Obregón.

DELIRIUM TREMENS: SURCAR LOS INFIERNOS

Hace 30 años aproximadamente, Ignacio Solares publicó el libro "Delirium Tremens", un reportaje con más de 100 testimonios de alcohólicos en torno a las alucinaciones que lo habían llevado sus excesos, aquellos que por algunos momentos se encontraron en la antesala de la muerte.

Ahora dicho libro ha sido adaptado con gran tacto y sensibilidad al teatro por Antonio Crestani, quien es asimismo el director del montaje, mismo que destaca por la fuerte carga emocional que conlleva.

Dos son los actores de "Delirium tremens" que se llevan las palmas, Jorge Ávalos interpretando a Gabriel, un hombre nervioso, que por el alcohol perdió a su familia, pero sin embargo logró "Conversar con Dios", y una estupenda Aída López, como la mujer solterona,ávida de afecto, quien actúa como guardiana de su madre y cayó en las garras del alcohol, ante la falta de perspectivas en una vida monocromática.

Tan solo por ambos actores bien vale la pena ir al Teatro Santa Catarina a ir a ver la puesta en escena.

"Delirium Tremens" es una obra que mueve las fibras más íntimas del espectador, quien no puede permanecer indiferente, ante ese surcar el infierno del quintento de personajes.

Crestani logra una ágil puesta en escena, donde logran aflorar las contradicciones del caudal de emociones de los sobrevivientes al delirium tremens. El director logra evadir con inteligencia, un punto de vista didáctico, sabe como precisar ese paso de la oscuridad a pàrajes luminosos.

Se trata de un bien logrado producto teatral, con atmósferas acertadas, lo místico se entremezcla con los delirios, se trata de una obra que es necesario ver.

"Delirium Tremens" de Ignacio Solares, en versión y dirección de Antonio Crestani, se presenta jueves y viernes a las 20 horas, sábados y domingos a las 18 horas. (los días sábados hay una segunda función a las 20.30 horas). La localidad es de 140 pesos.

En momentos, se escuchan fragmentos del "Requiem" de Mozart. "Delirium Tremens" es una obra acerca de lo difícil que es sobrellevar la orfandad emocional, la inseguridad y el vacío existencial.

Del como el alcohol se convierte como el evasor de la realidad circundante, el paliativo a una soledad interminable. El eje de la puesta en escena es el propio Solares (José María Mantilla) quien se avoca a recabar testimonios de quienes han padecido el terrible delirium tremens, pero para la fortuna de ellos siguen de pie.

PRIMERO SUEÑO INICIA TEMPORADA EN EL FORO SOR JUANA DE LA UNAM

Sin lugar a dudas, la mayor poeta mexicana de todos los tiempos es Sor Juana Inés de la Cruz, a pesar de haber pasado más de cuatro siglos de que escribiera su gran literatura, ésta sigue siendo redescubierta una y otra vez, por toda la riqueza que atesora.

Ahora toca el turno a la puesta en escena de "Primero sueño", una puesta en abismo, actuada y dirigida por Jesusa Rodríguez, la cual se presentará en temporada del 23 de mayo al 5 de julio en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz en el Centro Cultural Universitario.

Se trata de un proyecto muy valioso que hará crecer el número de lectores de un poema tan lleno de revelaciones, como el escrito por la décima musa.

Es un montaje que se viene trabajando desde 1996 y que ha ido crecido conforme el tiempo ha pasado, al respecto comentó Jesusa Rodríguez: "Se trata de un poema complejo, por lo general lo conocemos fragmentado, suele estar limitado a los estudiosos de la literatura y a los Sorjuanistas. Yo quisé memorizarlo y ponerlo en escena, ser el eslabón de una cadena, es mi modesta amibición para que el espectador logre enlazarse con la musa de la poesía."

En un principio, Jesusa presentó este espectáculo con 200 versos, posteriormente con 600, ahora abarca los 975 versos en una puesta en escena que dura una hora y cuarto, y que contará con una explicación introductoria de la maestra Dolores Bravo: "Creo que en el mundo actual, tan convulsionado nos puede salvar la poesía. afirmó la actriz-, pretendo contar el "Primero sueño"desde la celda jerónima en que vivió Sor Juana, apoyada por un multimedia y la música que compuso mi hermana Marcela Rodríguez. Este texto es un viaje de conocimiento, es un texto que la poeta escribió por gusto y no por encargo, es su apuesta como poeta. Me alegra que se grabará un video del espectáculo, el cual será repartido en diversas escuelas y universidades."

Jesusa Rodríguez se ha destacado en el contexto del quehacer teatral como actriz y directora. Entre los múltiples reconocimientos que ha recibido se encuentra el premio a mejor actriz por "El concilio de amor" en el Festival de las Américas en Montreal en 1989.

"Primero sueño" promete ser una puesta en escena sumamente atractiva, en que el espectador deberá permitirse tener su sensibilidad a flor de piel. Es acceder a una obra maestra, construida a base de silvas, una alego´ría desarrollada por cientos de versos.

Las funciones se llevarán a cabo, sábados y domingos a las doce y media en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz y la admisión será de 140 pesos con un 50 % de descuento a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM y jubilados del ISSSTE y el IMSS, con credencial vigente.

PALABRAS ENCADENADAS: ENTRE LA PASION Y LA PERVERSIDAD

La violencia, la perversidad y el ingenio son los ingredientes principales de "Palabras encadenadas", texto de la pluma del dramaturgo catalán Jordi Galcerán ("El método Gromholm") que en fecha reciente ha sido respuesta en el Teatro Helénico, bajo la dirección de Alejandro Aragón.

Se trata de una obra llena de sutilezas y ambigüedades que retrata la desaveniencia de una pareja conformada por Ramón y Laura, el día del estreno , estos roles fueron interpretados por Juan Carlos Bonet y Yolanda Ventura, respectivamente.

Aunque alternan en las funciones, María Rebeca y Alejandro Aragón.

Un solo escenario, el sótano de un moderno apartamento, un sótano que remite a la asfixia de los dos únicos personajes, que deben mantener un tour de force a lo largo de una hora y cuarenta minutos, sin tener intermedio alguno. Uno es el victimario y la otra, la víctima, él le propone precisamente jugar a "las palabras encadenadas", es decir ella debe decir una palabra que comience con la última sílaba de la palabra que él dijo con anterioridad.
Surge la cáscada "guerra, Ramón, monitor, tormento, todopoderoso, sórdido".
En un principio, el espectador piensa que se trata de secuestrador y secuestrada, pero conforme avanza la obra se percatará que se trata de una pareja que se divorcío y que aun no ha terminado de saldar sus cuentas pendientes. ¿Quién de los dos está más enfermo emocional y mentalmente? es la gran interrogante que subyace en este texto inteligente, recorrido por buenas dosis de humor negro.
Mucha angustia es la que se vive en esta puesta en escena, donde la manipulación y el chantaje están presentes en todo momento, al tiempo que el autor sabe remitir a la orfandad emocional que padecen algunos seres humanos, del dolor al goce, de la risa al llanto, del pánico a la tranquilidad espiritual, constante oscilación de los sentimientos, como si se tratara de un péndulo incontenible.
Un juego aparentemente inofensivos como el de jugar con "palabras encadenadas" es el detonante para mostrar las más profundas patologías humanas. Lástima que las actuaciones sean tan medianas, y aunque Galcerán escribió este texto originalmente para teatro, tienen mayor calidad interpretativa los actores de la película homónima que data del 2003 y fue dirigida por Laura Maña.
Darío Grandinetti como Ramón estaba soberbio, en tanto Goya Toledo si dejaba translucir los sentimientos contradictorios de Laura.
"Palabras encadenadas se presenta los martes, a las 20.30 horas en el Teatro Helénico hasta el próximo 28 de julio.

LA EXHIBICIONISTA: UN MONOLOGO CON MULTIMEDIA

Se ha dicho hasta el cansancio que un monólogo teatral implica uno de los mayores retos interpretativos para un actor o una actriz, él o ella están a solas en el escenario y deben de conservar el interés del espectador durante todo el desarrollo de la obra, a través de narrar lo que le sucede y transmitir los que van sintiendo. Se trata de un viaje al centro del alma de un personaje.

En este sentido, "La exhibicionista" escrita (con la colaboración de Zaneta Seilerova) y dirigida por Salvador Garcini, viene a presentar un unipersonal que es el retrato de las grandezas y las miserias de una actriz pornográfica que lleva el nombre de María de los Angeles, con una plena referencia metafórica (¿Ángel o demonio?)

Ella es una mujer que se dedica a crear una serie de fantasías eróticas y a producir placer, ella es una hembra esencialmente exhibicionista, y es frágil a nivel emocional.

Zaneta Seilerova, actriz de origen checoslovaco da vida a María de los Angeles, y su principal mérito, más allá de una fuerte presencia escénica, es haberse aprendido un largo texto teatral en español, en un idioma ajeno al suyo.

Con gracia y soltura, Zaneta se desenvuelve en el escenario y va desnudando a una mujer, que está herida, que padece tristezas y angustias, pero que no obstante se aferra a gozar de la vida, a pesar de sus altibajos.

"La exhibicionista" fusiona lo teatral y el multimedia, teniendo algunos bellos momentos a nivel visual.

María de los Angeles deberá aprender a perdonar para de este modo, librarse de todas esas ataduras internas que le impiden emprender un vuelo por la existencia.

La concepción de este espectáculo teatral es intensa e interesante, lo que si es excesiva su duración que es de 2 horas y 20 minutos , con un breve intermedio, razón por la cual el primer acto es más redondo y efectivo que el segundo que roza los terrenos de los libros de superación personal.

Eloise Kazan diseñó una funcional escenografía y un vestuario idóneo, en tanto Lars Hermann logró un interesante video que complementa a la acción escénica.

"La exhibicionista" se presenta los jueves y viernes a las 20 horas, los sábados a las 19 y los domingos a las 18 horas en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque.

EL MAMBO DE OZ Y LA VIDA MUDA

"El mambo de Oz" es una obra escrita por el dramaturgo venezolano Luis Selkovicz y traslada al espectador, a un peculiar triángulo desamoroso. Tres seres deambulan y se instalan en cada una de las aristas de un triángulo. El es Alberto (Humberto Solórzano) es un actor maduro, fracasado que para sobrevivir representa una serie de personajes, no solo en el set o en el escenario, sino ante Beto, su hijo (Diego Sosa), un joven que tiene un leve retraso mental, debido a una lesión cerebral.

Y como contrapunto, está la presencia de Magda la vecina, quien enamorada del padre, le ayuda a cuidar al hijo.

"EL mambo de Oz" es una tragedia contemporánea, bien actuada y dirigida con sutileza y precisión por Rodrigo Johnson, él hace aparecer a sus personajes- de acuerdo a la definición del dramaturgo, como simuladores de sí mismos, y poseedores de una gran carga de soledad.

La obra cobra vida en un escenario muy peculiar, el salón de fiestas "Espacio Mágico" (Enrique Rebsamen 1114), donde cada lunes a las 20.30 horas hay un encuentro con un grupo talentoso, con la modalidad de la cooperación voluntaria. "El mambo de Oz" es una buena opción teatral.

LA VIDA MUDA.- Esta puesta en escena se presenta en Casa de la Paz, los viernes, sábados y domingos (hasta el 5 de abril). Se trata de un espectáculo unipersonal, una instalación escénica de gran calidad, escrita e interpretada por Gerardo Trejoluna y dirigida por Rubén Ortiz.

Es el homenaje que el actor rinde a su padre recientemente fallecido Don Felipe Trejoluna, conocido en el ambiente pugilístico como "Ciríaco".

Propuesta un tanto lúdica, aunque traspasada por el dolor, donde el escenario se transforma en un juego de espejos, de los recuerdos que se tienen del ausente, confrontados con la sensación personal de vacío.

Es asimismo un reclamo al destino que en ocasiones es sumamente caprichoso y maneja las cosas a su antojo. Una enfermedad terminal puso fin a la vida de "Ciríaco" y la resignación aun no llega.

Gerardo Trejoluna maneja la primera parte o preámbulo como clown para después sumergir al espectador a un viaje al inframundo con toda una carga visual de primera línea.

"La vida muda" estremece, no hay que perderse esta propuesta diferente y refrescante.

OTELO. LAS PASIONES AMOROSAS DE SIEMPRE

Otelo escrita por William Shakespeare hace poco más de medio siglo, continúa siendo una obra sumamente vigente, por saber manejar las pasiones amorosas llevadas al extremo, las cuales pueden causar los celos y la profunda desconfianza hacia la pareja.

De nueva cuenta esta obra es llevada a la escena con una adaptación y traducción del especialista Alfredo Michel y bajo la sensible dirección de Claudia Ríos, con una temporada que inició el pasado mes de febrero en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario. Como bien afirmará Hernán Mendoza quien interpreta el papel protagónico en una entrevista reciente,(concedida a Carlos Paul en "La Jornada") este montaje propone un Otelo: "seguro de sí mismo en la guerra, en la política, pero con una baja autoestima en cuanto al amor se refiere, debido a su aspecto y brutalidad".

Como bien sabemos Otelo es un noble moro quien se encuentra al servicio de la República de Venecia, y es nombrado regidor de Chipre, él ama profundamente a Desdémona su esposa (Ana de la Reguera). Pero Yago, su alférez (un espléndido Carlos Corona) es un hombre envidioso y sumamente astuto que hará que Otelo salga fuera de sí y cometa las peores tropelías.

Claudia Ríos opta por un escenario prácticamente vacío, con algunos paneles movibles, para dar un mayor énfasis a los cambios de iluminación de Fidel Monroy y Matías Gorlero y al lucimiento de los actores muy bien ataviados por Tolita y María Figueroa. Otelo es retratado como ese hombre fuerte y débil a un mismo tiempo, un hombre devorado por los celos, quien busca cometer una venganza.

Cecilia Suárez interpreta a Emilia la esposa de Yago y uno de sus mejores momentos es cuando lanza su diátraba contra los hombres en el segundo acto. Esta puesta en escena nos traslada a un "Otelo" vital como en el tiempo en que fue escrito por Shakespeare, un texto que sabe manejar con gran puntualidad temas como la infidelidad , el machismo, el maltrato a la mujer, así como la prepotencia, entre otros tópicos.

ENTRE SUPERMAN Y GOLDA MEIR

El teatro es un medio ilimitado en el caben todo tipo de propuestas, no se necesitan de mayores recursos económicos, siempre y cuando se tenga creatividad y talento puede surgir una buena puesta en escena. En esta ocasión traemos a cuenta dos ejemplos, diferentes entre sí, pero que sin embargo tienen un nivel de calidad, tanto dramatúrgico como actoral.
Ambas son reposiciones, la primera de ellas es "El evangelio según Clark" que se presenta los miércoles a las 20.30 horas en el Teatro Helénico. Irreverencia e ironía permean el texto de este espectáculo que mezcla acrobacia, lenguaje actoral e interpretación.
El autor Richard Viqueira se multiplica, puesto que él diseñó el espacio escénico compuesto por tres columpios, actúa y además dirige. Los tres columpios de metal sirven a los actores para jugar y realizar más de una pirueta.
"El evangelio según Clark" tiene un formato de comic y enfrenta a Clark Kent con su doble personalidad de periodista y super héroe y su rival es ni más ni menos Jesucristo, y enmedio de ellos Lutor y Judas, lo mismo que Luisa Lane y Magdalena.
A pesar de tener una dramaturgia un tanto dispareja, son más los aciertos que los errores, razón por la cual resulta un espectáculo muy disfrutable que ya lleva casi un año representándose.
Propuesta diferente y chispeante, que uno no se pueda dar el lujo de no verla, además de Viqueira, complementan el elenco: Carlos Valencia, Marco Aurelia Nava y Mauricio Galaz.
En el otro lado de la balanza, "El balcón de Golda" escrita por el neoyorkino William Gibson ha llegado a sus 200 representaciones. Se trata de un espectáculo unipersonal en torno a Golda Meir la política israelí quien hilvana una serie de recuerdos personales y de su vida pública en la madrugada en que se desencadena la Guerra de Yom Kipur.
Cada personaje tiene su intérprete ideal, y en Fanny Sarfati , Golda lo encontró con una delicada dirección de Nathan Grinberg. "El balcón de Golda" sabe equilibrar el perfil humano y político de una mujer telúrica, que fue amada y odiada, una mujer que hasta el último momento de su existencia luchó por la persecución de sus ideales, por buscar esa paz en Medio Oriente que aún no termina de consolidarse.
Tras una gira por Sudamérica, "El balcón de Golda" tiene una corta temporada en el Teatro Ofelia, los lunes a las 20.30 hrs.

LOS PROHOMBRES: UN INSOLITO BANQUETE

Dos hombres se confrontan, dos hombres entran al juego de víctima y victimario, todo comenzó azarosamente, a través de un contacto por Internet con la invitación a un banquete de lo más insólito.

Uno se devorará al otro. Tal es la premisa de la estremecedora obra "Los prohombres" de la autoría de Noé Morales Muñoz, quien también es crítico teatral, cuyo argumento se basa en un caso real sucedido en Alemania en 2001, el cual es recordado como "El caso del caníbal de Rottemburgo".

Frankie (un estupendo Humberto Busto) es el anfitrión en una casa con pocos muebles, él es un solitario empedernido, un misántropo, él prefiere resguradarse entre los muros de su casa en vez de "rozarse con los otros". El está desquiciado y sobretodo desde que su madre falleció. Tras escribir un aviso en internet recibe al atribulado Sepo (Enrique Cueva), un hombre obeso, que ya no tiene muchas ganas de vivir.

Uno para el otro, antes de que se suscite el gran evento, Frankie, pesa y mide a Sepo, cuida de su masa corporal, lo exhorta a que coma alimentos sanos, platican de superficialidades, más allá de sus rostros no se conocen, a pesar de que algún modo quedarán fusionados él uno con el otro.

Encuentro insólito, ambos como apunta certeramente José Ramón Enríquez en el programa de mano: "Quieren ser inventores y maestros de un nuevo oficio que abrirá nuevas puertas, que nos sacará del tedioy, a ellos, del olvido."

Noé Morales construye un texto dramático con la precisión de la maquinaria de un reloj, frases cortas, contundentes, muchas de ellas lapidarias, como cuando Frankie apunta convencido: "para hacer algo que deje huella en este mundillo de mediocres y deprimidos."

La dirección bien trazada corresponde a Ginés Cruz, él supo comprender este ritual gastronómico, este canibalismo que antetodo es una metáfora del como el hombre devora a su cóngenere, y el como se sigue cumpliendo la consigna inexorable que el más fuerte devora al débil.

Bastan 75 minutos para que "Los prohombres" se despliegue con gran fuerza y haga cimbrar el espectador que se enfrenta a un espejo de las peores miserias que alberga la condición humana.

Tras una temporada en el Foro Shakespeare en el 2008, "Los prohombres" se presenta de jueves a domingo en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque para terminar temporada el próximo 8 de marzo.

NUEVAS OBRAS EN EL TEATRO LA CAPILLA

El teatro La Capilla es un foro que desde hace más de 10 años ha trabajado en forma intensa para promover las obras de jóvenes dramaturgos mexicanos, además que ha hecho énfasis en la difusión

de la dramaturgia proveniente de Quebec.

Su principal animador es Boris Schoemann, apoyado en un valiosoequipo. Para este 2009, La Capilla nos tiene reservadas gratas

sorpresas en su cartelera.

Es así como el próximo 26 de enero se estrenará "La más fuerte"

de August Strindberg, cuya historia transcurre cuando dos amigas

se encuentran en un café, durante la víspera de Nochebuena y surge entre ambas una fuerte confrontación. Mientras que la Señora X busca resolver ciertas sospechas en torno a la infidelidad de su marido con la Señorita Y, ésta prefiere permanecer silente, y se establece una terrible lucha de poder entre ambas. Esta puesta en escena está dirigida por Ana Cordelia Aldama y cuenta con las actuaciones de Alejandra Marín e Isabel Bazán.

Otro de los estrenos previstos es "Al norte de la providencia" de Edward Allan Baker, que dirige Alexandro Guerrero y que correrá temporada desde el próximo 6 de febrero, siendo interpretada por David Calderón y Gisela García Trigos, en una obra que delinea la crisis que ocasiona el reencuentro de dos hermanos, el día de la muerte de su padre, reflejando que el sueño americano puede ser más una falacia que una realidad.

Para el público infantil y adolescente están previstos dos estrenos, el primero de ellos "Los días de Carlitos" para el 7 de febrero, obra que ha sido escrita por Adrián Vázquez, quien se dirige a sí mismo. Un niño de 11 años es un soñador, y aspira a ser grande y es cuando surge la gran fantasía. Mientras que Guillermo León es el dramaturgo y director de "Gutemberg", la cual arrancará desde el 26 de enero, en torno al inventor de la imprenta, sus amoríos y alcances como todo un gran científico. Comparten la escena además de Guillermo, Yunuén Castillo y Apolonio Mondragón, entre otros.

Además de estos estrenos, la cartelera de La Capìlla, con la consigna de una obra para cada día de la semana, se complementa con cuatro reestrenos a saber: "Cero P.M." una producción de Teatro Luna Avante que gira en torno a la desmemoria que experimenta una mujer el día de su cumpleaños y toda la sensación de extrañamiento que provoca entre los suyos. La hilarante "Sensacional de Maricones2 de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, que dirige Boris Schoemann con las actuaciones de Mahalat Sánchez, Juan Carlos Vives y Alejandro Morales, una sátira sobre el mundo gay.

Además se podrá volver a ver "Güera es la patria" de Edgar Chías dirigida por Mahalat Sánchez, un trío de obras cortas que confrontan al espectador a través de la ficción con la realidad que lo rodea, en tanto David Herce dirige y es el autor de "I love Sodoma", una obra que se remonta a muchos principios del sadismo para despertar a una ciudad de la pesadilla del neoliberalismo y los prejuicios.

Vaya usted a la Capìlla siempre hay una opción para ver buen teatro y por si fuera poco a precios accesibles.

CUENTOS EROTICOS AFRICANOS: UN AGRADABLE DIVERTIMENTO

Tres relatos tomados de "El Decamerón Negro" del antrópologo alemán Leo Frobenius (1873-1938) son el centro del espectáculo "Cuentos eróticos africanos", con una dramaturgia realizada por Teatro Esquina Latina, con la dirección en conjunto de Jesús Jiménez y Marisol Castillo.

Se trata de un agradable divertimento aderezado de un sutil erotismo y una picardía propia de los entremeses cervantinos. Lo teatral y lo lúdico se fusionan de modo equilibrado.

El discurso, el lenguaje corporal y una serie de sencillas coreografías son la esencia de este montaje que apenas rebasa una hora. Cuatro son los actrices que integran el elenco: Marisol Castillo, Muriel Ricard, realmente muy graciosa, Amada Domínguez y Marina Vera, el cuarteto logra un muy buen trabajo de equipo.

Un complemento que se agradece y que ambienta son las percusiones a crago de Uzziel García Jacinto.

Los tres relatos escenificados, tienen un trasfondo mítico con varias afinidades de otras culturas, y los tres tienen por sustento, el despliegue del erotismo, como una parte esencial de la existencia humana.

Es así como en "Leyenda de Amazonas", se refiere al como el hombre y la mujer descubren el sexo, descubrimiento y voyeurismo van de la mano. El segundo relato, el mejor del conjunto gira en torno a "Un hombre cuyo oficio es el amor". Tres hermanos, un albañil, un carpintero y un Don Juan recorren varias aldeas, trabajan para sus dirigentes, pero él que siempre gana es el seductor.

Ello sucede por sus dones amatorios, además de su indómita astucia.

Placer y asombro van de la mano en "Cuentos eróticos africanos" que tiene como puente de transición, fragmentos del Music hall.

El espectáculo cierra con la conseja de "Las hijas del juez", donde se confrontan la astucia femenina con la masculina Y se dan una serie de equívocos amenos.

Jesús Jiménez y Marisol Castillo logran un montaje grato que se guía por la reflexión de Frobenius, rescatada en el programa de mano: "Lo que hace al buen narrador africano es la palabra oral, unida a los gestos, a la acentuación y a una interpretación a menudo directamente escénica."

"Cuentos eróticos africanos" reanudará temporada a mediados de enero del 2009 en La Gruta del Centro Cultural Helénico, se recomienda consultar la cartelera.

MIKVE: LA RELIGIOSIDAD Y LA MARGINACIÓN

La mikve es un baño ritual donde se van a purificar las mujeres judías religiosas y es el escenario donde se lleva a cabo la obra "Mikve, baño ritual" de la autoría de Hadar Galron, con la dramaturgia y sensible dirección de Morris Savariego.

En la tradición judaica es el espacio sagrado por excelencia, es un espacio eminentemente femenino. El microcosmos de lo que sucede en una mikve en Jerusalem en un lapso no mayor de 6 meses es lo que relata esta obra, que a decir de Morris Savariego en el programa de mano: "La obra denuncia los anacronismos e injusticias de algunas leyes y costumbres especialmente lesivas para la mujer, sus planteamientos exceden la lucha por los derechos femeninos".

En efecto el planteamiento de Galron tiene un toque feminista y es como articula a ocho personajes que al reunirse en la Mikve ponen al descubierto sus pasiones más ocultas, Esti (Sharon Kleinberg), la esposa y madre dedicada; Hedva (Belinda Slominski), la mujer golpeada y vejada por el líder comunitario y su joven hija Elisheva (Silvia Lomelí) quien se torna muda ante la volencia intrafamiliar.

También están Tehila (Violeta Sarmiento), la chica que se debe casar a la fuerza tras un matrimonio predestinado, Hindi, la chismosa (Matilde Zeidenweber). Complementando el cuadro las dos empleadas del mikve dísimiles entre sí Shoshana (con una buena interpretación de María Sarfati) y Shira (María Chayo).

"Mikve" es una obra que al mismo tiempo muestra ritualidad y necesidad de cambiar determinadas situaciones obsoletas, es una obra que cuenta con buenos trazos escénicos de Morris Savariego, quien juega con la acción en dos planos paralelos, teniendo como marco una buena escenografía e iluminación de Jesús Hernández, y el apoyo de algunas imágenes de un video.

A pesar de que se trata de una producción digna, el problema es que las actuaciones son dispares,sin embargo importa más el contenido que si mueve a una profunda reflexión. Este montaje permanecerá en cartelera hasta el próximo 14 de diciembre, con funciones en el Teatro Orientación, jueves y viernes a las 20 horas, sábados a las 19 y domingos a las 18 horas.

DRAMAFEST BICENTENARIO EN EL D.F.

Lo más destacado del teatro de Argentina, Chile, España y México se ha reunido en el marco del Dramafest Bicentenario Ciudad de México, el cual se llevará a cabo del 24 al 30 de noviembre en el Teatro Jiménez Rueda del Distrito Federal.


El escenario se engalanará con creadores que en la escena despliegan lo mejor de sus talentos y creatividad, Aurora Cano, la directora artística y productora general de Dramafest dio a conocer que grupos estarán presentes.
De Argentina se contará con el grupo El Patrón Vázquez quienes escenificarán la obra "Buenos Aires" escrita por Rafael Spregelburd la cual aborda lo que sucede en una casa de alquiler, mientras que se espera un juicio testamentario.
En tanto eso sucede una agente inmobiliaria abusa y aloja allí a su amante, también anda por allí un físico desempleado que está planeando una estafa millonaria a la NASA. La confusión se hace presente con fuertes dosis de humor negro. Esta obra se presentará el 24 y 25 de noviembre a las 20 horas.

México estará representado por la lectura dramatizada de "Neurastenia" de Ximena Escalante, bajo la dirección de Mauricio García Lozano. Una actriz representa a Leonora Vicario y pierde su identidad. La dramaturga maneja esas frágiles fronteras que existen entre realidad y ficción. Esta lectura podrá disfrutarse el 26 de noviembre, a las 20 horas.

Por su parte, Chile "Neva" de Guillermo Calderón (con funciones el 27 y 28 de noviembre, también a las 20 horas) desarrolla su acción en San Petesburgo, en una tarde de invierno de 1905, la represión de las tropas, en tanto un actor ensaya su obra frente a las orillas del río Neva.
En esta obra participa Olga, la viuda de Chejov quien se flagela por haber vivido alejada de su esposo, sus últimos años de vida. Reflexión crítica acerca del teatro, la actuación y los límites prevalecientes entre la muerte y la violencia política.

Dramafest Bicentenario cierra con dos funciones de la obra catalana "Protégeme, instrúyeme" de la autoría de Marta Galán, cuyo tema central es el trastorno por déficit de atención e hiperactividad. Una recapitulación existencial ante la incertidumbre del futuro.

Este encuentro multicultural antesala de los festejos del bicentenario de la independencia de México contará también con taller de dramaturgia impartido por Marco Antonio de la Parra, dirigido a dramaturgos y aspirantes con una duración de 20 horas.
Una vez más Dramafest busca y confía cautivar la atención del público joven y crear expectativas nacionales e internacionales en relación al teatro que en la actualidad se desarrolla en México.