TODOS MIENTEN: UNA CÁMARA OMNISCIENTE

UN GRUPO DE JÓVENES SE ENCUENTRAN ENCERRADOS EN UNA CASA DE CAMPO, ALEJADOS DE LA CIVILIZACIÓN. ENTRE ELLOS SE INVENTAN UNA FICCIÓN, LA CUAL VIVEN COMO SI SE TRATARA DE UNA REALIDAD CONTUNDENTE. DICHA FICCIÓN SE NUTRE DE DIVERSOS JUEGOS INTELECTUALES, BASADA SOBRE TODO EN ALGUNOS TEXTOS DEL POLÍTICO E INTELECCTUAL ARGENTINO DOMINGO FAUSTINO SARMIENTO.
TAL ES LA COLUMNA VERTEBRAL DE "TODOS MIENTEN", SEGUNDO LARGOMETRAJE DEL JOVEN REALIZADOR ARGENTINO MATÍAS PIÑEIRO, LA ANTERIOR FUE "EL HOMBRE ROBADO" (2007).

DE EXHIBICIÓN EN EXCLUSIVA EN CINETECA NACIONAL, "TODOS MIENTEN" ES UNA METÁFORA DEL CONFUSO DEVENIR DE LA HISTORIA EN ARGENTINA, PARTIENDO DE LAS HUELLAS DEL ROSISMO, DE LOS FORJADORES DE LA PATRIA, DEL COMO SE CONTINÚAN ALGUNAS TRADICIONES, DE LAS IMPLICACIONES DEL EXILIO, DEL COMO EL PASADO TIENDE A DESVANECERSE EN EL PRESENTE.
"TODOS MIENTEN" SE DESARROLLA A MODO DE UN LIBRO, QUE EL ESPECTADOR SE ENCONTRARA LA LEYENDO, EL FILME SE DIVIDE POR CAPÍTULOS, QUE TIENEN TÍTULOS REFERENCIALES, O SUMAMENTE IRÓNICOS COMO:
"LA HISTORIA DE LOS 8", "LOS 3 BESOS" O "f. DE VERDADERO", ENTRE OTROS.
LOS JÓVENES INTERCAMBIAN ROLES, PIÑEIRO SE LIMITA A FOTOGRAFIAR MÁS A LAS MUJERES, LA MAYOR PARTE DE LOS PERSONAJES MASCULINOS HABLAN EN OFF.
DOS DE ELLOS SON LOS SUPUESTOS TATARANIETOS DE JUAN MANUEL DE ROSAS Y DE DOMINGO FAUSTINO SARMIENTO.
LA CÁMARA SE DESPLIEGA COMO UNA ESPECIE DE TESTIGO OMNISCIENTE Y VE ESE JUEGO DONDE LAS INTRIGAS SE ENTRECRUZAN, DONDE SE DESVANECE LA FRONTERA ENTRE REALIAD Y FICCIÓN.
DONDE UNOS SON VÍCTIMAS Y OTROS VICTIMARIOS.
LAS APARIENCIAS SON CENTRALES EN EL FILME DE PIÑEIRO- PREMIADA COMO EL MEJOR FILME EN EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE, REALIZADO EN ARGENTINA EN EL 2009-, NADA ES LO QUE PARECE, SUPUESTAMENTE NO HAY TELÉFONO EN LA CASA Y DE REPENTE SUENA.
LITERATURA Y HUMOR, REFLEXIÓN Y MANIPULACIÓN VAN DE LA MANO, EN UNA CINTA ALGO PRETENCIOSA PERO MUY LÚDICA. EL MONTAJE ES EXTRAÑO, ESTÁ TRAZADO A PARTIR DE LA DESCONSTRUCCIÓN.
MATÍAS PIÑEIRO MUESTRA UN PREDOMINIO DE LA MUJER, NO EN VANO EN LA CANCIÓN FINAL SE CANTA: "LA DAMA MACABRA, CALLADA, PLANEA SUS MARCAS Y DEJA HUELLAS, ENGAÑA."
EN SUMA, "TODOS MIENTEN" ES UN FILME PROPOSITIVO E INTELIGENTE.

FILMOTECA DE LA UNAM FESTEJA 50 AÑOS

Conservar la memoria cinematográfica, sobre todo la relativa a los filmes mexicanos de todos los tiempos, amén de rescatar joyas del cine mundial ha sido una de las labores centrales de la Filmoteca de la UNAM, durante 5 décadas.
"Fue el 8 de julio de 1960-comenta Guadalupe Ferrer (en la ilustración), directora de Actividades Cinematográficas de la UNAM- cuando Manuel Barbachano donó a nuestra institución, "Raíces" de Benito Alasraki y "Torero" de Carlos Velo, fue así como se inició el acervo de Filmoteca."
Por su parte, el maestro Sealtiel Alatriste, Coordinador de Difusión Cultural de la UNAM destacó que: "La filmoteca ha sido medular para incrementar la imagen de México en otros países del mundo, dando a conocer su cine. En filmoteca tenemos la reserva de imágenes más importante del país y como solía decir Manuel González Casanova, "Nació como todos los sueños en una forma mágica."
En 1959, fue creado el Departamento de Cine de la UNAM, el cual fue el antecedente directo de la actual Dirección de Actividades Cinematográficas. Desde entonces a la fecha, ha sido incesante la divulgación de un vasto acervo, mismo que se resguarda, en varios casos, dicho material se restaura.
Filmoteca de la UNAM cuenta  con más de 40 mil títulos, y gracias a ello, las imágenes en movimiento han logrado cambiar muchos conceptos de vida.
Filmoteca cumple felizmente sus primeras cinco décadas de vida y por tal motivo hará circular 470 cintas en universidades,
instituciones, así como varios festivales nacionales
e internacionales.
Además desde el pasado mes de marzo se comenzaron
a proyectar 10 títulos, bajo el rubro de "Memorias
recuperadas", el cual agrupa, una decena de
títulos restaurados, entre los que
están: "La mancha de sangre" de
Best Magaud, "M" de FRitz Lang, "Los
olvidados" de Luis Buñuel y la trilogía de Fernando de Fuentes
la cual comprende: "El prisionero número 13",
"El compadre Mendoza" y "Vamonos con
Pancho Villa".
Cabe destacar que a partir de abril próximo
esta trilogía empezará a circular en una
edición especial de DVD.
Una larga vida a Filmoteca de la
UNAM

DE PELICULAS MEXICANAS EN EL FESTIVAL DE CINE DE GUADALAJARA

El estar en un Festival de Cine, siempre resulta todo un banquete, son tantas las opciones que se ofrecen que es un poco difícil elegir el menú. Dentro de la 25a edición del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, una de sus secciones medulares, es la de competencia de Largometrajes Mexicanos de Ficción, por lo que es necesario avocarse a ver la mayoría de las cintas que la conforman.
Este año compitieron 8 películas me ocuparé de hablar de las más destacadas. La selección estuvo conformada por cineastas de prestigio como son: Carlos Carrera, María Novaro e Ignacio Ortiz, al lado de jóvenes realizadores con talento como son: Rubén Imaz y Nicolás Pereda, entre otros.
"De la infancia" de Carlos Carrera, es un filme fuerte y sumamente estremecedor que vuelve a mostrar que la realidad supera a la ficción. Él aborda la violencia intrafamiliar, al tiempo que los sueños de evasión que tienen 3 niños quienes no se sienten cómodos de vivir en un ambiente tan hostil, pero que les resulta sumamente difícil de evadirse del mismo.
El padre (como siempre un eficiente Damián Älcazar) es un ladrón, un hombre violento que busca sojuzgar a su familia, incluso cuando va a ser atacado se atreve a usar de escudo a uno de sus hijos, para permanecer impune. El tono de la cinta es apabullante tremendista y va en crecendo, no muestra un resquicio de luz o esperanza. Se ve a un director con mucho oficio, quien sabe manejar con precisión, los recursos cinematográficos a sus actores.
Es de esperarse que gane algún Mayahuel, ya sea como mejor película o mejor director.
Por su parte, Ignacio Ortiz en su cuarto largometraje "El mar muerto", presenta una historia de culpas y redención, cargada de un aura de misticismo, donde las metáforas se suceden, en una trama en apariencia sencilla, pero plena de subtexto.
Un apagón en la ciudad de México, saca el lado oscuro de varios habitantes citadinos, que en ese momento, verán trastocadas sus existencias. A nivel actoral destacan: Joaquín Cosío en el papel protagónico, lo mismo, que Ana Ofelia Murguía, Aída López y la joven Adriana Segura.
Lo más bello a nivel de imágenes y secuencias es la parte de la película filmada en un sórdido pero al tiempo magnetizante Centro Histórico.
María Novaro, tras 9 años de ausencia de la realización de largometrajes, regresa por la puerta grande con la emotiva "Las buenas hierbas", cinta de madurez, donde una hija debe de cuidar de su madre afectada de Aizheimer, al tiempo que recuperar esos grandes secretos de la herbolaria, química de plantas sumamente conectadas con un gran abánico de emociones humanas.
La poesía domina una cinta, bellamente fotografiada por Gerardo Barroso, teniendo en Úrsula Pruneda como Dalia, a una gran intérprete, podría ganar el Mayahuel a mejor actuación femenina.
"Las buenas hierbas" es una cinta mágica, plena de intensidades que muestra a una de las mejores directoras mexicanas vivas.
De las jóvenes promesas, Rubén Imaz,  sigue en ascenso con "Cefalópodo", una película de corte minimalista que es un viaje para el desprendimiento del dolor y de esa orfandad emocional que se siente tras la ausencia irremediable del ser amado.
El monólogo interior del protagonista es el hilo conductor de un trabajo que nos remite a la inevitable fragilidad humana.

BEA CARMINA: UNA DRAMATURGA PROPOSITIVA

La libertad y la búsqueda creativa son parte del motor que mueve la pluma de Bea Carmina (también conocida como Carmina Martínez), ella no se detiene ni se conforma, siempre aspira a más, al menos así queda constancia en su compleja obra "El ejecutor", publicada en la Colección "El espejo de Amarilis" de la Biblioteca Mexiquense del BIcentenario, libro que fue presentado en la pasada Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería.
La muerte es el eje conductor de un texto, que viaja por diferentes épocas y espacios- no tan sólo territoriales-, sino de una imaginación exuberante e incontenible. Obra que transcurre en un solo acto, dividido en seis cuadros, donde se da cuenta del paso del tiempo y esa esencia humana que permanece inmutable, a pesar de vestir otros ropajes.
"El ejecutor" de Bea Carmina, egresada de la Escuela de Escritores de SOGEM fue presentado por los críticos teatrales Bruno Bert y Luz Emilia Zínser, así como por Antonio Crestani, director de teatro y del Centro Cultura Helénico.
Bruno Bert destacó:"Dentro de las propuestas contemporáneas en nuestra interesante, contradictoria e irritativa dramaturgia nacional, este material se lanza como un placer para la imaginación del lector y como una provocación para la visión del director que decida asumirlo."
Bea Carmina investigó y leyó mucho para escribir "El ejecutor", un texto que oscila de lo serio a la farsa, como ya lo habíamos notado en otras obras suyas como son "Scrabble" y "El Adriático". La acción dramática parte de la Antigua Catay (hoy China).

Por su parte, Luz Emilia Zínser comentó: "El ejecutor" es una presencia material en la carne y hueso de un personaje que cambia de identidad de uno a otro sistema de relaciones. En todos los casos es quien asume la acción de matar, cumple, la voluntad del poder... "El ejecutor" es en esencia esa herida intemporal."
La obra de Bea Carmina cuenta con varios momentos brillantes como lo sucedido en tiempos de la inquisición y en épocas isabelinas.
Finalmente Antonio Crestani calificó a este poema escénico como poseedor de "una estructura dramática intrépida, llena de arrojo, donde sobresale la voz de los personajes y el manejo del diálogo."

OLEANNA: LA LUCHA POR EL PODER

Una de las obras más paradigmáticas de la segunda mitad del siglo XX, sin lugar a dudas es "Oleanna", escrita por el talentoso dramaturgo norteamericano David Mammet, este texto fue estrenado en 1992, en Cambridge, Massachusetts, dirigida por el propio Mammet, con las actuaciones de William Macy y Rebecca Pidgeon. En nuestro país fue escenificada por primera vez, hace 15 años, con un montaje de Ionna Weissberg y actuada por Mónica Dionne y Enrique Singer.
Ahora es Singer quien nos hace entrega de una nueva propuesta de "Oleanna", con una dirección puntual, donde hay un equilibrio perfecto entre la actuación y el texto inteligente e incisivo.
Juan Manuel Bernal es el profesor universitario, Irene Azuela es la alumna que injustamente lo acusa de un acoso sexual, que solo existe en su mente.
Juego de poderes, donde con toda facilidad se pasan el uno al otro, la estafeta de víctima y victimario de manera indistinnta.
Enfrentamiento entre dos inteligencias, donde se deja entrever la hipocresía y el engaño que existe en muchos aspectos de la educación. Ellos se dicen el uno al otro y en varias ocasiones, pierden el contacto con la realidad y se desatan en un crudo diálogo no del todo coherente.

Mammet en su discurso teatral muestra de un modo contundente como se puede desatar la falta de comunicación, asimismo deja entrever que la libertad de pensamiento, desafortunadamente no siempre llega a un buen puerto. Él es un profesor que se siente afortunado por haber casi ganado una plaza vitalicia, que le permitirá dar un sustento conveniente a su familia, ella una chica un tanto rebelde y caprichosa, que le toma un odio irracional.
Funcionales son la escenografía diseñada por Auda Carraza y Atenea Chávz, así como la iluminación de Víctor Zapatero.
El plus son las interpretaciones convincentes de Azuela y Bernal en un teatro que sabe esencializar una propuesta donde el texto mismo, recobra importancia en el como es expresado.
"Oleanna" fue traducida por Daniel Pastor, también responsable de la producción y se presentará hasta el próximo 23 de mayo en el Teatro El Granero "Xavier Rojas" del Centro Cultural del Bosque, con funciones, los jueves y viernes a las 20 horas, los sábados a las 19 y los domingos a las 18 horas.

TODOS ERAN MIS HIJOS: TAN ACTUAL COMO CUANDO FUE ESCRITA

La guerra hace cometer a los hombres, las peores torpezas. Multitud de errores con carácter irreversible se han dado. Así lo muestra la obra "Todos eran mis hijos" de Arthur Miller, que data de la década de los 40, que sigue tan actual como en el momento en que fue creada.
Texto de la posguerra que se centra en el microcosmos de la familia Keller, un núcleo aún herido por los recientes acontecimientos bélicos. Joe, el patriarca (un sobresaliente Fernando Luján) quiere tener el control y el mando, pero es tan frágil como el árbol erigido a la memoria de su hijo muerto. Él muestra la fragilidad del ser humano.
Kate, la esposa y madre (una siempre efectiva Diana Bracho), vive con la esperanza de que su hijo mayor que estuvo en la guerra, algún día retornará al hogar y que no ha muerto. Mientras el benjamín de la familia (Mario Loría) comienza a pretender a  Ann Deever (Silvia Navarro), quien fuera la prometida de su hermano.
Y además, Miller como espejo paralelo maneja algunos retazos de la vida de los vecinos de los Keller, siendo de estos personajes, el más interesante, el que interpreta Miguel Pizarro (en una buena actuación) como el doctor Jim Bayliss, un hombre con profunda vocación humanista.

Francisco Franco es el encargado de la puesta en escena de "Todos eran mis hijos" con un brillante trazo escénico, donde sabe balancear el abanico de emociones que brindan su elenco.
La obra de Miller sabe equilibrar lo que vive una familia, a quien la guerra le pegó de manera directa, con un buen alegato pacifista, en cuanto que la industria armamentista obre con una mayor ética.
El también autor de "Las brujas de Salem" se mueve a sus anchas en los territorios dramáticos, con diálogos agudos y un adecuado manejo de la compleja estructura psicológica de sus personajes.
Funcional es la escenografía diseñada por Gloria Carrasco, así como la iluminación ideada por Ángel Ancona.
Esta puesta en escena es producida por Jorge Ortiz de Pinedo, en su afán de dar acceso al gran público a destacadas obras de la dramaturgia universal.
La temporada se lleva a cabo en el Teatro Helénico, desde el pasado 11 de noviembre para concluir el próximo mes de marzo.  Las funciones son viernes, sábados y domingos.

CALLE 13, SIN MAPA: UN RAP PARA AMERICA LATINA

Una de las más gustadas secciones de Ambulante, gira de documentales, es Sonidero, que este 2010, cuenta con una selección ecléctica de cinco filmes, cuyo leif motiv es la música. Uno de estos trabajos es: Calle 13, Sin Mapa (2009), dirigida por los cineastas colombianos Marc de Beaufort y Alexandra Posada, los cuales ofrecen una emotiva y desenfadada crònica del dúo boricua Calle 13, en un viaje que ellos realizan por diversos lugares de América Latina.
Al tiempo que Calle 13 recorre diversos lugares entre los que se encuentran: la selva amazónica, las siempre mágicas ruinas de Macchu Pichu o navegan por el lago Titicaca, o llegan a pueblos recónditos de Venezuela, el singular conjunto musical va dando su singular visión de la vida, esa necesidad de encontrar sus raíces primigenias, la necesidad de dar cariño, comprensión y solidaridad a sus semejantes.

"Calle 13, sin mapa", es documental fresco, narrado en voz en off, lleno de curiosas anécdotas, como lo puede ser dormir en un lujoso hotel o en una hamaca 5 estrellas.

El como son seguidos por sus fans, en una música que impone curiosas letras, "como salir del closet" si se es gay, o en ponerle límites a la expansión del FBI. La propia Alexandra Posada es la responsable de una colorida fotografía, así como de una edición impecable, que da una gran fluidez a este trabajo

disfrutable, sobre todo por 2 valores: su frescura y calidez humana.

Para Calle 13, resulta esencial, dejar por un momento, los aplausos y la fama, ellos son ganadores de un Grammy, en un afán dfe encontrar la verdadera música, la cultura y música indígenas del continente latinoamericano, un universo sin fronteras.

"Calle 13" se presentó recientemente en el New York International Latino Film Festival, así como en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano y ahora se puede ver , gracias a la siempre enriquecedora programación de la gira Ambulante.

OTOÑO ALEMAN: FILMES PARADIGMATICOS EN CINETECA NACIONAL

 Hacia mediados de los 60, la juventud alemana tenía plena confianza en que se establecería una sociedad más justa y equitativa, desafortundamente dichas expectativas no se cumplieron. El mundo se encontraba convulsionado, por un lado el triunfo de la Revolución Cubana, y por el otro la fiera Guerra de Vietnam.
Además se había construido el Muro de Berlín que separaba a Alemania Occidenta de la Oriental. La situación se exacerbó con la visita del Sha en junio de 1967, una banda terrorista comandada por Andreas Baader incendió varias tiendas departamentales, a modo de protesta. Era la génesis de la Banda Baader Meinhof de la cual hace una estremecedora crónica, el cineasta Uli Edel, cinta que actualmente se proyecta en exclusiva en Cineteca Nacional.

  Partiendo de la difusión de dicho filme, en forma paralela se organizó el ciclo Otoño Alemán, con 9 cintas paradigmáticas que van seguimiento a los acontecimientos de dichos años en Alemania, hechos qu sacudieron a dicho país europeo.
Varios cineastas germanos, se tornaron en cronistas, a la cabeza de ellos, el siempre interesante y proositivo Rainer W. Fassbinder con su farsa "La tercera generación" (1979), donde narra el como un industrial contrata a terroristas de la Banda Baader Meinhof para simular su propio secuestro y el resultado es un retrato mordaz de jóvenes a la deriva que supuestamente luchan por una serie de ideales, cuando en realidad, uno de sus objetivos es el placer por la violencia.
  "Otoño alemán" dio inicio con el filme colectivo "Alemania en otoño" (1978), donde Fassbinder, Kluge, Reitz y Schlondorff, entre otros dan una visión bastante pesimista de Alemania, viendola en plena decadencia, cuando mueren los miembros prinicipales de la Banda Baader Meinhoff, destaca la entrevista cruenta que Fassbinder hace a su madre, así como la visión que una joven maestra de historia tiene de su país, casi en ruinas, en la cuestión de valores.
  La novela homónima de Henrich Boll, "#El honor perdido d Katherine Blum" da pie a la película homónima codirigida por Schlondorff y Marguerite Von Trotta, donde se destaca la manipulación de la prensa amarillista, cuando una mujer ve perdida su integridad personal, tras una noche de copas con un terrorista. Este filme que data de 1975, conmueve profundamente, porque lo retratado hace más de 30 años continúa siendo una realidad contundente.
  Por su parte Reinhard Hauff es el realizador de "Cuchillo en la cabeza" (1978), con una historia descarnada de lo que le sucede a un científico al recibir un balazo en la cabeza en un tiroteo, queda dañado y por si fuera poco, es confundido como un terrorista.
Más allá de la espléndida historia que surge de la novela de Peter Schneider, Bruno Ganz, está magistral en el papel protagónico, brindado una de esas actuaciones memorables, que pocas veces se ven en el cine.
"Otoño alemán" concluirá el próximo domingo con el filme "Los edukadores" (2004) de Heins Weingartner.

NUMEROSOS ARTISTAS MEXICANOS EN EL FMX 2010

El próximo  11 de marzo dará inició la 26a edición del  Festival de México, el FMX (anteriormente llamado Festival de México del Centro Histórico, el cual  contará con 280 actividades, con la participación de  530 artistas- varios de ellos nacionales y con 21 países invitados, entre ellos: Italia, Francia, Estados Unidos, Argentina y Japón.

La inauguración será con la ópera multimedia "Únicamente la verdad: la auténtica historia de Camelia la tejana", en base a partitura de Gabriela Ortiz, y un guión más video, ambos de la autoría de Rubén Ortiz Torres.
La dirección teatral corre a cargo de Mario Espinosa, mientras que la musical es de José Areán.
En esta obra se aborda la impunidad que se vive en nuestro país, y surgió a partir del narcorrido " Contrabando y traición" de la autoría de los Tigres del Norte.
La función se llevará a cabo el 11 de marzo en el Teatro Julio Castillo.
En el FMX habrá otras presentaciones teatrales, entre las que destacan "Hey girl" propuesta de la compañía italiana  Societas Raffaello Sanzio, con la dirección de Romeo Castellucci, la cual tendr´pa funciones, el 12 y 13 de marzo en el teatro de la Ciudad.
Asimismo, la Compañía Nacional de Teatro, presentará "Horas de gracia" de Juan Tovar, texto que desmitifica a Agustín de Iturbide, contando con la dirección del maestro José Caballero. Mientras que el Milagro auspicia el montaje de "Lejos", escrita y dirigida por Mauricio Jiménez, la cual contará con las actuaciones de: Daniel Giménez Cacho y de Laura Almela.
También los melómanos podrán tener con este festival, todo un banquete de lo más variado, con artistas de la talla del tenor alemán Christoph Gertz, la pianista austríaca Cornelia  Hermann, la banda nipona Boredowns o Charles Gayle trío, dentro de una numerosa lista.
  Dentro del amplio abanico de actividades de esta gran fiesta de las manifestaciones artísticas, que tiene un costo de 33 millones,también se entregará el Premio Chilango por trayectoria al compositor argentino Mauricio Kagel. Además que el 27 de marzo se darán a conocer los ganadores del concurso  historia y sabores de México, concurso convocado por FMX y el Claustro de Sor Juana.
El FMX finalizará el 28 de marzo, se sugiere para mayor información consultar el sitio http://www.festival.org.mx/

PENELOPE POSMOD

  I
La trama de la vida
es compleja...
no siempre
existe la paciencia
para tejerla
y destejerla.
Hay zurcidos invisibles
que no logran
las texturas
de las equidistancias.
En tanto,
los puntos cóncavos
y convexos
se multiplican.
  II
Una Penélope posmoderna
flota
entre las porosidades
del espacio.
Ella no es capaz
de sosegar
su sensibilidad
a flor deee piel.
Cabalga éterea
y no detiene su marcha
aunque la acose
un aluvión de estrellas.
Ella sigue firme
quiere hallar
el hilo dorado
con el cual hilvanar
su propia historia.
     Perla Schwartz
     junio 2009